Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides

Escena de Piratas del Caribe: Mareas Misteriosas. Producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Rob Marshall, “Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas” vuelve a ofrecer las enormes dosis de diversión, aventura y humor que deslumbraron en las anteriores entregas de esta saga de éxito.

War Horse

WAR HORSE En un pueblo inglés, Albert, el hijo de un granjero, ve nacer un potrillo. Poco después, su padre lo adquiere en una subasta, y el chico le pone de nombre Joey. Pero la familia se arruina y no tiene más remedio que vender el caballo justo cuando estalla la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Ése es el punto de partida de un viaje en el que tanto Albert como Joey lucharán por sobrevivir a la contienda y volver a estar juntos.

domingo, 30 de octubre de 2011

victoria justice


Victoria Dawn Justice es una , y estadounidense, nacida el 19 de febrero de 1993 en Hollywood, Florida. Es mayormente conocida por interpretar al personaje de Lola Martínez en la serie televisiva Zoey 101, junto a Jamie Lynn Spears. Personaje con intenciones y aspiraciones de ser una famosa , que, rápidamente entabla amistad con sus condiscípulas en la PCA.

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Actualmente reside en las ciudades  de Hollywood, Florida y Los Ángeles, California. En sus orígenes étnicos, se entremezclan la sangre caribeña de su madre (Puerto Rico) y la irlandesa de su padre. Aunque tiene familia en Béjar (Salamanca) y suele ir en septiembre a la ciudad de Cáceres (España), para descansar de la fama.
victoria
Ha participado en importantes campañas publicitarias, para reconocidas marcas internacionales como Guess, Gap y Ralph Lauren. Su debut cinematográfico se produjo, en el año 2004, en la película Fallacy. No obstante, la verdadera fama sería alcanzada por esta actriz en 2005, cuando fue escogida para protagonizar la serie Zoey 101, de Nickelodeon. En 2006, junto con Erin Sanders recorrieron América del Norte y del Sur, mientras participaba en una gigantesca campaña de modas, asociada a la serie que la hiciera famosa, el Lasenza Girl Zoey 101. Con posterioridad a dicha campaña, se ha transformado en una abonada de Lasenza Girl.
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- También participó en un episodio de la serie televisiva Zack y  Cody: Gemelos en Acción con el papel de Rebbeca. .
- En su faceta de modelo, ha estado en la portada de la revista y   SIX7’8th y participó en anuncios de Union Bay y Bratz clothing.
- A principios de 2010 estará estrenando nueva serie, la cual   lleva por nombre Victoriosa, producida por Dan Schneider, en   esta Victoria interpretará a una chica nueva que asiste a una   escuela de artes escénicas.”
- Participo en el video Just Dance de la cantante americana Lady  GaGa.
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Filmografía:
- Películas:
2005:  Mary y When Do We Eat?
2006 The Garden y Unknown
2009: The Kings of Appletown Betsy
2010: The Midnight of locos y The Boy Who Cried Werewolf
- Series y películas para televisión
2005: Silver Bells
2006 – 2008: Zoey 101 (Temporadas 2-4)
2009: Spectacular!
2010: Victoriosa
- Estrella Invitada
2003: Gilmore Girls
2005: The Suite Life of Zack and Cody
2006: Everwood Thalia Thompson “Enjoy the Ride”
2009: The Naked Brothers Band
2009: iCarly
Discografía:
- Soundtrack Spectacular!
- 2006: “A Thousand Miles”
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miranda cosgrove

Miranda Cosgrove :

(nació el 14 de mayo de 1993 en Los Angeles, Estados Unidos ). Es una joven actriz estadounidense. Su carrera comenzó en 2000 cuando una agente la vio cantando y bailando en un restaurante, ella le empezó a conseguir papeles chicos tales como anuncios. Miranda también ha salido en papeles pequeños en Zoey 101, apareció en el capítulo piloto de Smallville como la pequeña Lana Lang, y también apareció en un episodio de Unfabulous como Cosmina.

Su estilo de actuación es altamente original, especialmente en los más recientes capítulos de Drake y Josh. En un capítulo de dicha serie en el que Jonathan Goldstein aparece usando un vestido, Miranda demuestra una actuación de alta calidad cuando lo mira y la forma en que reacciona. Sus expresiones faciales son sumamente variadas y posee una personalidad única.

El punto de partida de su carrera fue cuando consiguió papeles en los anuncios para McDonald's. Decidio lanzarse a cosas más grandes y hacer audiciones para papeles en varias películas y series de la televisión. Su audición para el papel de una estudiante nombrada Summer Hathaway en la película Escuela de Rock resultó ser su golpe de suerte, por el cual luego consiguió un papel en la película "Los tuyos, los míos y los nuestros". Durante la premier de la Escuela de Rock, le llegó una oferta por parte de Nickelodeon,y para el canal 2 para participar en un programa llamado Drake y Josh, en el que ella estaría haciendo el personaje de Megan Parker, la hermana pequeña de Drake Parker (Drake Bell) y la hermanastra de Josh Nichols (Josh Peck) que les hace la vida imposible. En 2006, actuó en una película llamada Drake y Josh van a Hollywood, compuesta por 3 capítulos, en la que tenía otra vez el realizar del papel de Megan Parker. También en 2007, actuo en otra película llamada Drake y Josh: Un camarón gigante, que salió el 3 de agosto de 2007, y esta en tratos para actuar con Drake y Josh en Nueva York.

Filmografia :

Año 1993 Película/programa Rol Notas
2002 Smallville Lana Lang de jóven
2003 Escuela de Rock Summer Hattaway
2004 Grounded for life Jessica
2004-2007 Drake & Josh Megan Parker
2003 The Big Wide World of Carl Laemke Pete Laemke
2005 Here Comes Peter Cottontail: The Movie Munch Fue utilizada su voz
2005 Los tuyos, los míos y los nuestros Joni North
2006 The Wild Stallion Hanna Mills
2006 Keeping Up with the Steins Karen
2007 Zoey 101 Paige Howard
2007 Unfabulous Cosmina
2007 Just Jordan Lindsey Chandler
2007- iCarly Carly Shay

kenan thompson

Se ha unido al reparto del Saturday night live en el papel de un actor de cine. También acaba de poder verse su trabajo en Love don't cost a thing.

Natural de Atlanta, Thompson hizo su debut en televisión como integrante del reparto de la serie cómica de sketches de Nickelodeon, All that. Él y su socio Kel Mitchell debutaron en un programa que surgió de ésta, Kenan y Kel, en 1996. Thompson tuvo también un papel periódico en la serie Felicity.

Entre los trabajos de Thompson en el cine se pueden destacar Vuelven los mejores, Good burger, Las aventuras de Rocky y Bullwinkle, Heavyweights y el reciente éxito veraniego My boss's daughter.

Thompson vive en la actualidad a caballo entre Los Angeles y Nueva York.

geoffrey enthoven


miércoles, 26 de octubre de 2011

apologize

I'm holding on your rope,
Got me ten feet off the ground
I'm hearin what you say but I just can't make a sound
You tell me that you need me
Then you go and cut me down, but wait
You tell me that you're sorry
Didn't think I'd turn around, and say...

It's too late to apologize, it's too late
I said it's too late to apologize, it's too late

I'd take another chance, take a fall
Take a shot for you
And I need you like a heart needs a beat
But it's nothin new - yeah yeah
I loved you with a fire red-
Now it's turning blue, and you say...
"Sorry" like the angel heaven let me think was you
But I'm afraid...

It's too late to apologize, it's too late
I said it's too late to apologize, it's too late

It's too late to apologize, it's too late
I said it's too late to apologize, it's too late
It's too late to apologize, yeah
I said it's too late to apologize, yeah-
I'm holdin on your rope, got me ten feet off the ground...

Apologize

anabel alonso

BIOGRAFIA
Nacida en Baracaldo el 11 de noviembre de 1964, Anabel Alonso es una polifacética actriz que ha hecho papeles tan dispares como los que interprete en Kika, El crimen del cine Oriente, Hotel y domicilio o doblar a un personaje de Buscando a Nemo.

Varias obras de teatro (como Maribel y la extraña familia o Confesiones de mujeres de 30), y decenas de programas y series de televisión (desde La bola de Cristal a Hermanas, pasando por Siete Vidas y los recientes Tal para cual y Estoy por ti), hablan de la extraordinaria capacidad de adaptación de la actriz. Su papel de lesbiana en Siete Vidas recibió el reconocimiento de colectivos de gays y lesbianas, por lograr una naturalidad absoluta en la condición del personaje.

Consiguió el Fotogramas de Plata por su papel en Los ladrones van a la oficina y no ha sido, precisamente, el único premio que ha conseguido. Anabel supo siempre que quería ser actriz, pero estudió turismo para complacer a sus padres. Enseguida se vino a Madrid y Martes y trece tuvieron el ojo de contratarla para su película El robobo de la jojoya.

COMENTARIO
Anabel vive con su perro, que tiene catorce años. De su vida personal, no se conoce mucho porque siempre la ha preservado, pero siempre ha llevado por bandera el reconocimiento de las parejas de hecho, de cualquier sexo.
No cree que vaya a tener hijos biológicos, entre otras cosas porque considera que hay muchos niños en el mundo que pueden ser adoptados.

Odia comprarse ropa porque está harta de las pruebas de ropa en su trabajo, así que suele comprarse todo ha ojo. Guarda ropa de hace muchos años y es incapaz de tirarla.
Actualmente, presenta en Antena 3 el concurso Tal para cual y el programa Pelopicopata además de espacios ocasionales como Distracción Fatal.

jim carrey

Cuentan que James Eugene Carrey (Jim Carrey) nació extrovertido. En la escuela tenía un pacto: si se portaba bien los profesores le dejaban actuar para todos los niños durante unos minutos al final del día. Tal era su vocación. Ni siquiera acabó el colegio. En 1979, lleno de ganas por triunfar, dejó su Toronto natal y se fue a Los Angeles.

Durante una década Jim Carrey se fogueó en multitud de locales nocturnos y tuvo tiempo de casarse y tener una hija. Y sus locuras acabaron llamando la atención de los cazatalentos de la pequeña pantalla. Triunfó y desde las sitcoms dio el salto al cine. En apenas un año protagonizó Ace Ventura: detective de animales, La Máscara y Dos tontos muy tontos (1994). Tres películas que cosecharon un inesperado éxito y que catapultaron a Jim al olimpo de los cómicos.

Ya como un actor taquillero, y bautizado como el nuevo Jerry Lewis, le prestó sus payasadas a The Riddler en Batman Forever (sustituyendo a Robin Williams), rodó Ace Ventura: Operación África y, aunque cobró la suma más alta jamás ofrecida a un actor cómico, patinó con Un loco a domicilio. Un fracaso que enmendó luego con creces en la exitosa Mentiroso Compulsivo.

Temeroso de encasillarse cambió de registro y se embarcó en el El Show de Truman. Un gran acierto que le dio el Globo de Oro y le acercó al Oscar. Pero la estatuilla no llegó. Espoleado por la decepción, Carrey se metió (literalmente) en la piel del excéntrico artista Andy Kaufman en Man on the Moon. Y su trabajo fue premiado con otro Globo de Oro. Pero la Academia volvió a permanecer quieta...

Indignado, se metió de lleno en otra comedia de los hermanos Farrelly, Yo, yo mismo e Irene, donde encarnó a un policía con doble personalidad que se enamoraba (doblemente) de la misma mujer (Renée Zellweger). Y lo mismo le pasó al verdadero Carrey. El romance duró poco y la pareja se separó cuando él daba vida al verde y miserable antihéroe de El Grinch de Ron Howard.

Antes de volver a la comedia Carrey recuperó el tono “serio” haciendo de escritor en The Majestic. Sin embargo su última campanada la dio en la laureada Como Dios donde nos sorprendió a todos por su humor inteligente... y ese gag eterno ("¿Que harías si tuvieses el poder de dios?"). Pero lo que podía haberse quedado en un destello ha sido el pistoletazo de salida en una segunda época dorada de Jim Carrey. Con Olvídate de mi, Carrey ha llegado a la cima de su carrera cómico-agridulce interpretando a un tipo normal que decide borrar todos los recuerdos de su antigua novia.

Y por si era poco, en las navidades del 2004, con Una serie de sucesos desafortunados volvió a situarse en lo más alto. Posiblemente ha sido la película más taquillera en la que ha participado y en la que por primera vez el trabajo de Jim ha encantado a público y crítica. Está claro que Jim Carrey, al igual que sus personajes, es un actor lleno de sorpresas.

Dick y Jane - Ladrones de risa reunió en 2006 a Carrey con los actores Téa Leoni y Alec Baldwin, en una divertida revisión de la comedia homónima de 1977. Y es todo lo que hemos tenido de él hasta el estreno en 2007 de El número 23, un inquietante thriller en el que el personaje de Carrey se obsesiona con una novela, cuya trama parece estar calcando al dedillo las vicisitudes de su existencia.

ana milán

Ana Milán es una actriz Española que Nació en Alicante y estudió Periodismo para acabar siendo actriz. Se fue a Madrid y casi de inmediato se vio debutando en el mundo televisivo en el programa "La Central" de Antena 3 junto a Jesús Vázquez.

Al acabar se enroló en la compañía de las "5Mujeres.com" y desde entonces ha representado la obra por toda España. Desde septiembre se la puede ver entre fogones en un programa de cocina que emite Canal + y que se llama "Nunca ha roto un plato".

Formó parte del reparto que estrenó la obra en Bilbao y que completó dos temporadas en el Teatro Alcázar de Madrid donde llegó a interpretar cada uno de los cinco monólogos de 5mujeres.com. Posteriormente se incorporó al reparto que está haciendo gira por toda España. En la actualidad la podemos seguir en la serie que emite Tele5 todas las tardes: “Yo soy Bea” y por las noches en el espacio de sketches cómicos “Camera café”.

En "Yo soy Bea" encarna a Sandra de la Vega hermana mayor de Cayetana y Diego. Es accionista de la revista, pero sólo le interesa el reparto de beneficios.

Entre sus aficiones está hacerse operaciones para cambiar su físico y mejorarlo, de ahí su mote: "La Transformer".

En una de esas operaciones y un pequeño accidente en la bañera, hace que su cambio sea tan radical, que ni sus propios hermanos la reconozcan, hecho que aprovecha para infiltrarse en Bulevar 21, como Sonsoles, la dicharachera señora de la limpieza, para así controlar los moviemientos de sus hermanos, en especial de Diego.

En "Camera Café" encarna a Victoria de la Vega. Fría y distante, todos, hasta Gregorio Antúnez, el director Gerente, temen su mal carácter. Y es que parece que estuviera contra el mundo en general. Estricta en el trabajo, el vacío de su vida privada parece ser la causa de todo.

Su eficacia llega a tales extremos que no entiende, incluso, porque el 'inútil' de Antúnez tiene el puesto que tiene. Bueno, hay algo que lo explica: es hombre. Así es como ella considera que funciona el mundo. Una farsa de la que se siente totalmente fuera y contra la que lucha. Es por eso que vive en un estado de irritación permanente que a toda costa intenta ocultar.

Enigmática e irónica en sus contestaciones, es un claro ejemplo de 'perro ladrador, poco mordedor'. Pues, al fin y al cabo, busca cosas relativamente sencillas y mundanas: un hombre, una casa, y un perro que estén a la altura de sus expectativas. Pero tiene serias dudas de conseguirlo algún día.


  
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liza minelli

Liza Minnelli

  • (1946 - ) Liza May Minnelli
DATOS SOBRE Liza Minnelli
Nació: 12 Marzo 1946 | Estados Unidos
Signo del zodiaco: Piscis
BIOGRAFIA DE Liza Minnelli
Lugar de Nacimiento: Los Ángeles, California. (USA)

Biografía:
Liza Minnelli es el fruto de la segunda unión matrimonial entre Judy Garland, la famosa actriz, y el cineastas Vincente Minnelli.
A la temprana edad de tres años, Liza tuvo su primera oportunidad para participar en el cine, en la parte final de la producción musical "In the Good Old Summertime" de 1949, la cual protagonizaba Judy, su madre, junto a Van Johnson.
A sus 16 años iniciaría su carrera sobre las tablas en Broadway, concretamente en un nuevo musical, "Best Foot Forward". Un año más tarde, sería la acompañante oficial de su madre en London Paladium, a lo largo del ciclo de actuaciones que realizaba en aquel prestigioso sitio.
Ya con 19 años, retornó a sus comienzos, nuevamente en Broadway lograría el meritorio premio Tony por su interpretación en "Flora the Red Menace". Tiempo más tarde, volvió a recibir el galardón en dos oportunidades más; un Tony especial en 1974, y otro, 4 años más tarde, por su trabajo en "The Act". También recibió una nominación en 1984, por "The Rink" pero lamentablemente fue derrotada por Chita Rivera, su compañera de reparto en otra producción.
Como un dato de los más curiosos podemos aportar, que Liza, es la única ganadora del Oscar, cuyos padres también consiguieron algún galardón de la misma índole.
Su primera nominación a un premio de la academia hollywoodense, fue en 1969, con su interpretación en el filme "The Sterile Cuckoo"; galardón que lograría adjudicarse, tres años más tarde, cuando se hizo merecedora del premio Oscar a la mejor actriz por su papel como "Sally Bowles" en la reconocida y galardonada "Cabaret".
A cosechado importantes premios a lo largo de su extensa carrera; entre otros destacados: un premio Emmy gracias al especial televisivo "Liza with a Z" en 1972; un premio Grammy como conmemoración a su extensísima carrera; y por último, se ha hecho merecedora de dos Globos de Oro por sus trabajos en: la afamada "Cabaret" y "A Time to Live", la conocida película televisiva.
Siempre fue conocida por una por su potente voz, una característica que heredó de su madre, y ha demostrado en canciones como "Cabaret" y "New York, New York" el famoso tema que da nombre al film, aunque la versión original de la canción haya sido interpretada por Liza, fue de la mano de Frank Sinatra que el tema llegó a la fama y el reconocimiento público.
Además de la potencia vocal, otro hecho particular la une aún más con su madre, y ese es el haberse unido en matrimonio más de una vez, de hecho, lo hizo en 4 ocasiones y en varias más estuvo vinculada sentimentalmente con diversos galanes del ambiente artístico, como los actores Peter Sellers y Desi Arnaz Jr. o el director Martin Scorsese.
El 3 de marzo de 1967 se casa con Peter Allen, un australiano que murió debido a una serie de enfermedades resultantes de su condición de HIV positivo fue el protegido de Judy Garland a mediados de los 60.  Su matrimonio duraría hasta 1972. Dos años después, más precisamente el 5 de septiembre de 1974, se unió con Jack Haley Jr., un afamado productor y director que vivió bajo la sombra de su padre famoso por co-protagonizar el clásico film "El Mago de Oz" de Judy Gerland. Dicha unión se extendería durante cinco años.
Mark Gero fue su siguiente esposo, el mismo año en que se separó de Haley, el 4 de diciembre de 1979. Su matrimonio con el escultor David, el cual lograría mantenerse en pie hasta el año 1992, fue el más duradero de su vida.
Por último David Gest se convierte en su esposo el 16 de marzo de 2002. David era un promotor de conciertos, muy conocido en el ambiente. Ése matrimonio significó para Liza su más corta unión, ya que el 25 de julio de 2003 firmaron su divorcio. Durante su tiempo juntos, anunciaron que a fines de 2002 2002 iban a adoptar a una niña de tres años de edad, la que dieron en llamar Serena Gest.
En los últimos tiempos, participó como personalidad invitada en una de las series televisivas de mayor éxito en los últimos años, "Arrested Development", con la labor de interpretar a la desentonada social, amante de Buster Bluth.
Filmografía:
  • In the Good Old Summertime (1949)
  • The Dangerous Christmas of Red Riding Hood (1965, TV)
  • Charlie Bubbles (1967)
  • El cuco estéril (1969)
  • Dime que me amas, Junie Moon (1970)
  • Liza with a 'Z' (1972, TV)
  • Cabaret (1972)
  • Journey Back to Oz (1974) (voz)
  • Los aventureros de Lucky Lady (1975)
  • Nina (1976)
  • New York, New York (1977)
  • Arthur (1981)
  • A Time to Live (1985, TV)
  • Pinocchio and the Emperor of the Night (1987) (voz)
  • Sam Found Out: A Triple Play (1988, TV)
  • Rent-a-Cop (1988)
  • Arthur 2: On the Rocks (1988)
  • Stepping Out (1991)
  • Parallel Lives (1994, TV)
  • The West Side Waltz (1995, TV)
  • Jackie's Back! (1999, TV)
  • Arrested Development (2003-2005, TV)
  • The OH in Ohio (2005)
Teatro:
  • Flora, the Red Menace (1965)
  • Liza (1974)
  • Chicago (1975, reemplazó a Gwen Verdon de agosto a septiembre en 1975)
  • The Act (1978)
  • The Rink (1984)
  • Victor Victoria (1995, reemplazó a Julie Andrews en 1997)
  • Minnelli on Minnelli (1999)

haile gebresalassie


Nació el 18 de abril de 1973, en la provincia de Arsi, Etiopía Central. Atleta. su región de nacimiento es una tierra fecunda de en grandes corredores de larga distancia (Derartu Tulu, Fatuma Roba, etc.). 
  • Siendo niño, tenía recorrer 10 kilómetros diariamente para ir y volver de la escuela. A los 16 años, sin ningún tipo de entrenamiento, ganó el maratón de Addis Abeba.
  • En 1992, ganó los 5.000 m y los 10.000 m en el Campeonato Mundial.
  • En 1993, ganó los 10.000 m en el Campeonato Mundial de Stuttgart.
  • En 1994, logró su mejor marca en los 5.000 m, en 12:56.96 en Hengelo, Holanda
  • En 1995, batió el record mundial de los 10.000 m en Hengelo, Holanda. 
  • Medalla de Oro en 1995, en 5.000 m, en los mundiales de Zurich.
  • Ese mismo año, batió otros dos records mundiales: en 5.000 m, 13:10.98, y otro en 3.000 m, 7:30.72.
  • En 1996, medalla de oro en 10.000 m. en las Olimpiadas de Atlanta, en 27:07.34
  • En febrero de 1997 en Stuttgard, Alemania, volvió a batir un nuevo record mundial, el de los 1500m (3:32.39).
  • Ese mismo año, vuelve a batir el record mundial de los 5.000 m (12:59.04) en Estocolmo, Suecia.
  • En 1997, de nuevo record mundial en 10.000 m (26:31.32), en Oslo, Noruega, y de los 5.000 m en Zurich (12:41.86), tres segundos menos que su marca anterior.
  • El 23 de agosto de 2003, en los mundiales de Paris/Saint-Denis, al lograr la medalla de plata, parece ser el inicio de su sustitución a la cabeza de los corredores de largas distancias, por su compatriota Kenenisa Bekele quien a sus 21 años obtuvo la medalla de oro en los 10.000 m  en 26 minutos 49 segundos y 57 centésimas
  • En 2007, en Ostrava, bate el record mundial en 20.000 m. (56:26.00)
  • En 2008, en Berlin, bate el record mundial en Maraton (2:03.59)
  • En 2009, en Berlín, bate el record mundial en 30.000 m. (1:27:49)
  • En 2011, ganó el Premio Príncipe de Asturias de los Deportes

     

howard gardner

BIOGRAPHY OF HOWARD GARDNER
Howard Gardner is the John H. and Elisabeth A.
Hobbs Professor of Cognition and Education at the
Harvard Graduate School of Education. He also
holds positions as Adjunct Professor of Psychology
at Harvard University and Senior Director of
Harvard Project Zero. Among numerous honors,
Gardner received a MacArthur Prize Fellowship in
1981. He has received honorary degrees from 26
colleges and universities, including institutions in
Bulgaria, Chile, Greece, Ireland, Israel, Italy, and
South Korea. In 2005 and again in 2008, he was
selected by Foreign Policy and Prospect magazines
as one of the 100 most influential public
intellectuals in the world. Most recently, he was bestowed
with the 2011 Prince of Asturias Award in Social Sciences,
which aims "to reward the scientific, technical, cultural,
social and humanistic work." The author of 25 books
translated into 28 languages, and several hundred
articles, Gardner is best known in educational
circles for his theory of multiple intelligences, a
critique of the notion that there exists but a single
human intelligence that can be adequately assessed
by standard psychometric instruments.
Howard Gardner Photograph
© 2008 R. Sepulveda-EL TIEMPO .
During the past two decades, Gardner and colleagues at Project Zero have been
involved in the design of performance-based assessments; education for
understanding; the use of multiple intelligences to achieve more personalized
curriculum, instruction, and pedagogy; and the quality of interdisciplinary efforts
in education. Since the middle 1990s, in collaboration with psychologist Mihaly
Csikszentmihalyi and William Damon, Gardner has directed the GoodWork Project--
a study of work that is excellent, engaging, and ethical. More recently, with long
time Project Zero colleagues Lynn Barendsen and Wendy Fischman, he has
conducted reflection sessions designed to enhance the understanding and
incidence of good work among young people. With Carrie James and other
colleagues at Project Zero, he is also investigating the nature of trust in
contemporary society and ethical dimensions entailed in the use of the new
digital media. Among new research undertakings are a study of effective
collaboration among non-profit institutions in education and a study of conceptions
of quality, nationally and internationally, in the contemporary era. In 2008 he
delivered a set of three lectures at New York's Museum of Modern Art on the topic
"The True, The Beautiful, and The Good: Reconsiderations in a post-modern, digital
era,"from which he drew upon to write the recently published Truth, Beauty and Goodness
Reframed: Educating for the Virtues in the Twenty-First Century.

ricardo muti

Ricardo Muti
(Nápoles, 1941) Director de orquesta italiano. Estudió en el conservatorio San Pietro a Maiella de su ciudad natal, donde descubrió sus aptitudes para la dirección orquestal, así como filosofía en la Universidad de Nápoles. Su profesor de piano fue Vicenzo Vitale, a su vez alumno del pianista suizo Alfred Cortot. Posteriormente Muti se trasladó a Milán, en cuyo conservatorio estudió composición con Bettinelli y recibió lecciones de dirección orquestal de Antonino Votto.
En 1967 fue premiado en el concurso internacional Guido Cantelli para directores de orquesta, lo que propició el despegue de su carrera como director, iniciada en el Festival del Maggio Musicale de Florencia con Sviatoslav Richter como solista al piano. Debutó en Gran Bretaña como sucesor de Otto Klemperer al frente de la orquesta New Philharmonia (más tarde llamada sólo Philharmonia), con la que mantuvo una relación fructífera como director titular desde 1973 y más adelante como director musical.
A partir de su nombramiento como director principal del festival Maggio Musicale de Florencia en 1969, la ópera ocupó un lugar importante en la carrera de Muti. En 1972 dirigió la primera versión integral del Guillaume Tell de Rossini y recreó L´Africaine de Meyerbeer, Agnès de Hohenstaufen de Spontini y algunas óperas menos célebres de Verdi como I masnadieri y Attila. Su colaboración con dicho festival cesó en 1982. En 1971 habían tenido lugar sus comienzos en el festival de Salzburgo, lo que le llevó a dirigir regularmente a la Orquesta Filarmónica de Viena en óperas con célebres repartos internacionales. En la década de los años setenta se le pudo escuchar en los grandes teatros de ópera de Viena, Múnich y París, y en el Covent Garden londinense.
Fue director principal de la Philadelphia Orchestra en el periodo comprendido entre 1980 y 1993; y desde 1986, cuando sucedió a Claudio Abbado como director musical del Teatro de la Scala de Milán, la dirección de óperas ocupó un lugar central en su carrera. Destacado intérprete de la ópera italiana, sus grabaciones de obras verdianas como Macbeth, Aida y Un ballo in maschera le han otorgado fama internacional, y se ha decantado por la grabación en vivo, y no en estudio. También centró su atención en los dramas musicales de Mozart y Wagner.
Su repertorio sinfónico es muy amplio, pero destaca su interés por la música orquestal de Beethoven y por los compositores contemporáneos como Britten, Hindemith o Ligeti. En sus grabaciones y conciertos, Muti vuelve a la partitura original para eliminar toda práctica interpretativa errónea que no aparezca en el texto inicial. En su trabajo se refleja la influencia del director Arturo Toscanini.

lonard choen

Nació en Montreal en 1934. Su padre, un ingeniero que era propietario de una empresa de ropa, murió cuando Leonard tenía nueve años. Asistió a la universidad McGill, donde a los 17 años formó un trío de country-western llamado The Buckskin Boys. También comenzó a escribir poesía y pasó a formar parte del ambiente bohemio-literario local, un ambiente tan "underground" que carecía de todo tipo de intención subversiva porque incluso eso estaría por debajo del nivel. Su primera colección de poesía "Let Us Compare Mythologies" se publicó en 1956, cuando aún no se había licenciado. "The Spice Box of Earth (1961), su segunda colección, catapultó a Leonard Cohen al reconocimiento internacional.

Después de un breve paso por la universidad de Columbia de Nueva York, Leonard Cohen obtuvo una beca y eso le posibilitó viajaror toda Europa y al final se asentó en la isla griega de Hydra donde compartió su vida con Marianne Jenson y su hijo Axel. Cohen permaneció en Grecia, yendo y viniendo, durante siete años. Escribió dos volúmenes más de poesía, la polémica Flowers for Hitler (1964) y Parasites of Heaven (1966) y dos novelas muy aclamadas The Favorite Game (1963), su retrato del artista como un joven judío en Montreal y Beautiful Losers (1966) que aparecía descrita en su funda polvorienta como una desagradable épica religiosa de una belleza incomparable.

Pero ni siquiera el cálido clima de Hydra pudo refrenar el temerario espíritu de Cohen. "Para escribir libros, uno tiene que estar en un sitio" le dijo a la revista Musician en 1988. "Uno tiende a reunir cosas a su alrededor cuando uno escribe un libro. Se necesita una mujer. Es agradable tener niños cerca porque siempre hay comida. Es bonito tener un hogar que esté limpio y ordenado. Yo tenía esas cosas y entonces decidí ser un compositor". Dejando atrás su hogar, Cohen volvió a Norteamérica, decidido a establecerse cerca de Nashville y llevar a cabo su carrera musical. Apoyado por Judy Collins, quien grabó "Suzanne" y "Dress Rehearsal Rag" en su disco de 1966 "In My Life". En 1967, Cohen hizo aparición en el Festival de Folk de Newport donde llamó la atención del legendario cazatalentos de Columbia, John Hammond (quien también contrató a Billie Holiday, Bob Dylan y Bruce Springsteen para su sello). Por navidad, Columbia había editado ya su primer disco 'The Songs of Leonard Cohen'.

Fue un comienzo impresionante ya que temas como "Suzanne", "Hey, that's no way to say goodbye", "So long Marianne" y "Sisters of mercy" colocaron a Cohen en la cima del panteón del pop confesional. Los temas tenían tal fuerza que la película de 1971 de Robert Altman "McCabe and Mrs. Miller" se convirtió en el primer vídeo de gran formato para la banda sonora de Cohen.
En 1968, Leonard Cohen publicó 'Selected Poems: 1956-1968', una antología de poemas de sus primeros libros además de una serie de nuevos e inéditos poemas. Por este volumen, Cohen obtuvo el premio "Governor-General's Award", la mayor distinción literaria de Canadá. Declinó tal honor de inmediato.

'Songs From a Room' (1969), su segundo album, y 'Songs of Love and Hate' (1971) consolidaron a Cohen como maestro de la mortificación y centinela de la soledad. Con "Bird On a Wire", "The Song of Isaac", "Joan of Arc" y "Famous Blue Raincoat" siguió ampliando las fronteras del panorama pop.

1972 marcó la edición de un nuevo libro de poemas "The Energy of Slaves" y el primer disco en directo de Cohen "Live Songs", que contenía una impresionante improvisación de 14 minutos "Please Dont Pass Me By" además de versiones en directo de sus primeros tres discos.

"New Skin For the Old Ceremony" (1973) fue una especie de cambio estilístico. Con un sonido más orquestado (gracias al productor John Lissauer), Leonard Cohen prosiguió con sus investigaciones sobre el crisol más tórrido del espíritu humano, las encubiertas lides de los tocadores.

Cohen se tomó un periodo sabático de la batalla musical durante los siguientes años, editando sólo un album de grandes éxitos "Best of Leonard Cohen" (1975).

En 1977, volvió con lo que fue sin duda su disco más curioso "Death of a Ladies' Man". Empezó como una colaboración con el famoso productor Phil Spector pero acabó excluyendo a Cohen de las etapas finales de la grabación. "Fue una catástrofe" rememora. "Son todo voces improvisadas y Phil las mezcló en secreto a mano armada. Tuve que decidir si iba a contratar a mi propio ejército para luchar con él en Sunset Boulevard o dejarlo correr. Y lo dejé correr". Al año siguiente Cohen publicó una colección de poemas y poemas en prosa titulado "Death of a Lady's Man".

'Recent Songs' (1979), el siguiente disco, fue otro cambio estilístico con respecto a su predecesor. El sonido Spectoriano se había terminado y había sido sustituido por una pátina musical más delicada en parte debido a la influencia del coproductor Henry Lewy (quien anteriormente había trabajado con Joni Mitchell). Los temas prosiguieron con las disecciones que Cohen hacía de la unión hombre-mujer pero también empezaron a reflejar sus antiguas exploraciones del campo religioso.

1984 presenció la publicación de "The Book of Mercy", una colección impresionamente bella y profunda de meditaciones poéticas. "Various Positions", un disco de 1985, representaba el total florecimiento de estos temas religiosos.

'Im Your Man' (1988) fue la culminación de la reintegración profesional y personal de Leonard Cohen, un trabajo de una elaboración extraordinaria que habla elocuentemente de la experiencia de uno de nuestros más respetados artífices de la palabra. Con la inclusión de ahora ya dos clásicos como "First We Take Manhattan", "Tower of Song" y "Aint No Cure for Love", no sorprendió que el disco se colocara en el número uno de varios países europeos.

Cuatro años más tarde, Cohen editó "The Future", un extraordinario documento auditivo sobre el malestar cultural. Examinando tanto nuestras salas de juntas como nuestras habitaciones, declamando como un profeta del antiguo testamento ("The Future") o implorando como un penitente ("Be For Real") el bardo siempre tiene la vista puesta en la recompensa: el poder curativo del amor. "The Future" contenía "Democracy" uno de los temas más ambiciosos de la historia de Cohen, nada menos que un intento de nuevo himno nacional, la CNN del alma, propulsada por un memorable coro al estilo Whitman: "Sail on, sail on O mighty Ship of State, to the shores of need, past the reefs of greed, through the squalls of hate, sail on, sail on, sail on..." (Navega, navega, oh poderoso navío del estado, hacia las costas de la necesidad, dejando atrás los acantilados de la codicia, a través de las borrascas del odio, navega, navega, navega).

En 1993, Cohen editó una nueva colección literaria, publicada bajo el nombre de "Stranger Music" contenía letras de canciones, poemas y fragmentos de sus diarios. Poco después de la gira de "The Future", Leonard Cohen empezó a pasar más tiempo en el retiro zen que hay en la cima del monte Baldy al sur de California. Pasaba la mayor parte del tiempo meditando, reflexionando en los koans y cocinando para su maestro, Sasaki Roshi. Mientras que Cohen estuvo en el monte Baldy, Leanne Ungar y Bob Metzger produjeron un disco en directo "Cohen Live" (1994), una selección de las giras de Cohen durante 1988 y 1993.

En 1999, después de casi nueve años en el monte Baldy, tiempo durante el cual Cohen fue ordenado como monje zen y recibió el nombre Dharma de Jikan (el silencioso), bajó de la montaña armado con cientos de nuevos poemas y letras de canciones. Inmediatamente empezó a trabajar en las canciones junto a Sharon Robinson, quien anteriormente había sido segunda voz y quien también había coescrito junto con Cohen dos temas "Everybody Knows" y "Waiting for the Miracle".

Durante la ansiosa espera de la edición de un nuevo album en estudio, los fans se aplacaron cuando el productor Leanne Ungar rescató algunas de las extraordinarias cintas de los conciertos de Cohen en Inglaterra durante 1979 y lo editó bajo el nombre "Field Commander Cohen - Tour of 1979" (2001). Y ahora ya tienen el "Ten New Songs" una fascinante colección (¿de qué si no?) de diez nuevos temas que han surgido a partir de la colaboración con Robinson, el cantautor polifacético, vocalista e instrumentalista y de la inestimable participación del productor Ungar.

Jennifer Warnes editó el tan aclamado por la crítica "Famous Blue Raincoat" en 1986, un album totalmente dedicado a la obra de Cohen.

En 1991, una serie de artistas contemporáneos colaboraron en un homenaje a Cohen. "Im Your Fan" fue creación de Christian Feuret, el editor de Les Inrockuptibles, la revista de rock más popular de Francia.

Se produjo otro disco homenaje "Tower of Song" (1995) que contenía intepretaciones de temas Cohen de la mano de artistas de renombre como Billy Joel, Sting, Elton John, Willie Nelson y Bono.

La obra de Cohen no sólo escoge como formato el papel o el disco. Conceptualiza sus propios videos y en 1984 se encargó del guión, dirección y arreglos musicales de "I Am A Hotel" un corto de media hora de duración que obtuvo el primer premio en el Festival Internacional de Televisión de Montreux (Suiza) y fue nominado a los Premios de la Academia. Colaboró con el cantante/compositor Lewis Furey en "Night Magic" una película de opera rock por la que obtuvo el premio Canadian Juno a la mejor banda sonora de película en 1985. Su labor delante de las cámaras incluye un memorable papel como director de la Interpol en la serie "Miami Vice" de la NBC.

sábado, 22 de octubre de 2011

EVOLUCIÓN SISTEMAS OPERATIVOS


Evolución sistemas operativos



Años 40
A finales de los años 1940, con lo que podríamos llamar la aparición de la primera generación de computadoras, se accedía directamente a la consola de la computadora desde la cual se actuaba sobre una serie de micro interruptores que permitían introducir directamente el programa en la memoria de la computadora (en realidad al existir tan pocas computadoras todos podrían considerarse prototipos y cada constructor lo hacía sin seguir ningún criterio predeterminado). Por aquel entonces no existían los sistemas operativos, y los programadores debían interactuar con el hardware del computador sin ayuda externa. Esto hacía que el tiempo de preparación para realizar una tarea fuera considerable. Además para poder utilizar la computadora debía hacerse por turnos. Para ello, en muchas instalaciones, se rellenaba un formulario de reserva en el que se indicaba el tiempo que el programador necesitaba para realizar su trabajo. En aquel entonces las computadoras eran máquinas muy costosas lo que hacía que estuvieran muy solicitadas y que sólo pudieran utilizarse en periodos breves de tiempo. Todo se hacía en lenguaje de máquina.
Años 50
A principios de los años 50 con el objeto de facilitar la interacción entre persona y computador, los sistemas operativos hacen una aparición discreta y bastante simple, con conceptos tales como el monitor residente, el proceso por lotes y el almacenamiento temporal.
Años 60
En los años 1960 se produjeron cambios notorios en varios campos de la informática, con la aparición del circuito cerrado la mayoría orientados a seguir incrementando el potencial de los computadores.
Sistemas operativos desarrollados
Además del Atlas Supervisor y el OS/360, los sesenta marcaron el inicio de UNIX, a mediados de los 60 aparece Multics, sistema operativo multiusuario – multitarea desarrollado por los laboratorios Bell de AT&T y programado en PL/1 uno de los pocos SO desarrollados en un lenguaje de alto nivel en aquel tiempo, luego del fracaso del proyecto UNIX comienza a desarrollarse a partir de este a finales de la década.


Años 70
Debido al avance de la electrónica, pudieron empezar a crearse circuitos con miles de transistores en un centímetro cuadrado de silicio, lo que llevaría, pocos años después, a producirse los primeros sistemas integrados. Ésta década se podría definir como la de los sistemas de propósito general y en ella se desarrollan tecnologías que se siguen utilizando en la actualidad. Es en los años 1970 cuando se produce el boom de los miniordenadores y la informática se acerca al nivel de usuario. En lo relativo a lenguajes de programación, es de señalar la aparición de Pascal y C, el último de los cuales se creó específicamente para reescribir por completo el código del sistema operativo Unix, convirtiéndolo en uno de los pocos SO escritos en un lenguaje de alto nivel. En el campo de la programación lógica se dio a luz la primera implementación de Prolog, y en la revolucionaria orientación a objetos, Smalltalk.
Inconvenientes de los sistemas existentes
Se trataba de sistemas grandes y costosos, pues antes no se había construido nada similar y muchos de los proyectos desarrollados terminaron con costos muy por encima del presupuesto y mucho después de lo que se marcaba como fecha de finalización. Además, aunque formaban una capa entre el hardware y el usuario, éste debía conocer un complejo lenguaje de control para realizar sus trabajos. Otro de los inconvenientes es el gran consumo de recursos que ocasionaban, debido a los grandes espacios de memoria principal y secundaria ocupados, así como el tiempo de procesador consumido. Es por esto que se intentó hacer hincapié en mejorar las técnicas ya existentes de multiprogramación y tiempo compartido.
Características de los nuevos sistemas
Para solventar los problemas antes comentados, se realizó un costosísimo trabajo para interponer una amplia capa de software entre el usuario y la máquina, de forma que el primero no tuviese que conocer ningún detalle de la circuitería.
Sistemas operativos desarrollados
* MULTICS (Multiplexed Information and Computing Service): Originalmente era un proyecto cooperativo liderado por Fernando Corbató del MIT, con General Electric y los laboratorios Bell, que comenzó en los 60, pero los laboratorios Bell abandonaron en 1969 para comenzar a crear el sistema UNIX. Se desarrolló inicialmente para el mainframe GE-645, un sistema de 36 bits; después fue soportado por la serie de máquinas Honeywell 6180.
Fue uno de los primeros sistemas operativos de tiempo compartido, que implementó un solo nivel de almacenamiento para el acceso a los datos, desechando la clara distinción entre los ficheros y los procesos en memoria, y uno de los primeros sistemas multiprocesador.
* MVS (Multiple Virtual Storage): Fue el sistema operativo más usado en los modelos de mainframes -ordenadores grandes, potentes y caros usados principalmente por grandes compañías para el procesamiento de grandes cantidades de datos- System/370 y System/390 de IBM, desarrollado también por IBM y lanzado al mercado por primera vez en 1974. Como características destacables, permitía la ejecución de múltiples tareas, además de que introdujo el concepto de memoria virtual y finalmente añadió la capacidad de que cada programa tuviera su propio espacio de direccionamiento de memoria, de ahí su nombre.
* CP/M (Control Program/Monitor): Desarrollado por Gary Kildall para el microprocesador 8080/85 de Intel y el Zilog Z80, salió al mercado en 1976, distribuyéndose en disquetes de ocho pulgadas. Fue el SO más usado en las computadoras personales de esta década. Su éxito se debió a que era portátil, permitiendo que diferentes programas interactuasen con el hardware de una manera estandarizada. Estaba compuesto de dos subsistemas:
O CCP (Comand Control Processor): Intérprete de comandos que permitía introducir los mandatos con sus parámetros separados por espacios. Además, los traducía a instrucciones de alto nivel destinadas a BDOS.
O BDOS (Basic Disk Operating System): Traductor de las instrucciones en llamadas a la BIOS.
El hecho de que, años después, IBM eligiera para sus PC a MS-DOS supuso su mayor fracaso, por lo que acabó desapareciendo.
Años 80
Con la creación de los circuitos LSI -integración a gran escala-, chips que contenían miles de transistores en un centímetro cuadrado de silicio, empezó el auge de los ordenadores personales. En éstos se dejó un poco de lado el rendimiento y se buscó más que el sistema operativo fuera amigable, surgiendo menús, e interfaces gráficas. Esto reducía la rapidez de las aplicaciones, pero se volvían más prácticos y simples para los usuarios. En esta época, siguieron utilizándose lenguajes ya existentes, como Smalltalk o C, y nacieron otros nuevos, de los cuales se podrían destacar: C++ y Eiffel dentro del paradigma de la orientación a objetos, y Haskell y Miranda en el campo de la programación declarativa. Un avance importante que se estableció a mediados de la década de 1980 fue el desarrollo de redes de computadoras personales que corrían sistemas operativos en red y sistemas operativos distribuidos. En esta escena, dos sistemas operativos eran los mayoritarios: MS-DOS, escrito por Microsoft para IBM PC y otras computadoras que utilizaban la CPU Intel 8088 y sus sucesores, y UNIX, que dominaba en los ordenadores personales que hacían uso del Motorola 68000.
Apple Macintosh
El lanzamiento oficial se produjo en enero de 1984, al precio de 2495 dólares. Muchos usuarios, al ver que estaba completamente diseñado para funcionar a través de una GUI (Graphic User Interface), acostumbrados a la línea de comandos, lo tacharon de juguete. A pesar de todo, el Mac se situó a la cabeza en el mundo de la edición a nivel gráfico.
MS-DOS
En 1981 Microsoft compró un sistema operativo llamado QDOS que, tras realizar unas pocas modificaciones, se convirtió en la primera versión de MS-DOS (MicroSoft Disk Operating System). A partir de aquí se sucedieron una serie de cambios hasta llegar a la versión 7.1, a partir de la cual MS-DOS dejó de existir como tal y se convirtió en una parte integrada del sistema operativo Windows.
Microsoft Windows
Familia de sistemas operativos propietarios desarrollados por la empresa de software Microsoft Corporation, fundada por Bill Gates y Paul Allen. Todos ellos tienen en común el estar basados en una interfaz gráfica de usuario basada en el paradigma de ventanas, de ahí su nombre en inglés. Las versiones de Windows que han aparecido hasta el momento se basan en dos líneas separadas de desarrollo que finalmente convergen en una sola con la llegada de Windows XP. La primera de ellas conformaba la apariencia de un sistema operativo, aunque realmente se ejecutaba sobre MS-DOS. Actualmente existe Windows Vista.

Años 90
GNU/Linux
En 1991 aparece la primera versión del núcleo de Linux. Creado por Linus Torvalds y un sinfín de colaboradores a través de Internet. Este sistema se basa en Unix, un sistema que en principio trabajaba en modo comandos, estilo MS-DOS. Hoy en día dispone de Ventanas, gracias a un servidor gráfico y a gestores de ventanas como KDE, GNOME entre muchos. Recientemente GNU/Linux dispone de un aplicativo que convierte las ventanas en un entorno 3D como por ejemplo Beryl. Lo que permite utilizar Linux de una forma muy visual y atractiva.

jueves, 20 de octubre de 2011

bso spirit

audrey



Audrey Hepburn, eterna princesa
Audrey Hepburn nació un 4 de mayo de 1929 en la ciudad Belga de Bruselas, descendiente de una familia de la aristocracia de Holanda, los Van Haemstra. Su abuelo era un barón muy próximo a la Corte. Su padre fue un banquero llamado Joseph Víctor Henry Ruston y su madre una aristócrata de origen holandés. Su nombre, con el que fue bautizada, era Edda kathleen Van Heemstra Hepburn - Ruston.
Antes de los 10 años vivió en Holanda hasta que sus padres se separaron en 1939 y se fueron a vivir a Londres. Allí comenzó a estudiar danza y arte dramático en la Marie Rambert School. En esos años la vida se hacía muy difícil por la segunda guerra mundial que se aproximaba, y viajó a Holanda y después a Inglaterra, donde empezó a incursionar como una pequeña modelo.
La guerra terminó con su triste infancia. Uno de sus hermanos fue llevado a un campo de concentración. El otro se perdió en los ataques de resistencia. Un tío y un primo fueron fusilados.

Audrey Hepburn
Años más tarde se dedicó a realizar pequeños roles en diversas películas y trabajar de corista en algunos teatros. En 1952 el director William Wyler le ofreció protagonizar una comedia muy buena, Vacaciones en Roma. A partir de ahí su vida cambió: había nacido una nueva estrella del cine. Obtuvo su primer premio, el Oscar a la mejor actriz. Luego hace su primer éxito protagónico en La princesa que quería vivir, de 1953, que supo cointerpretar con Gregory Peck, ambos dirigidos por William Wyler.
A partir de ese maravilloso período comienza a filmar sin parar y a extender su larga trayectoria con varias películas imposibles de olvidar como Desayuno con diamantes (1961) o Sola en la oscuridad (1967), incursionando en un papel más dramático en Historia de una monja (1959), y volviendo a la comedia en Sabrina (1954). Estas cuatro películas estuvieron nominadas al Oscar como mejor actriz. A fines del 50, exactamente en 1958, obtuvo el premio a mejor actriz en el festival de San Sebastián y el Bafta Británico en la misma categoría por Historia de una monja, y más tarde repite este galardón con la película Charada (1963).
En Hollywood conoce a un actor en la cima: Mel Ferrer, en 1954. Finalmente se casa con Ferrer el 25 de septiembre del mismo año y viven diez años juntos. Nace Sean, un 17 de julio de 1960. Su matrimonio se ve consternado ante la pérdida de sus cinco embarazos y en noviembre de 1968 se divorcian.
En enero de 1969, insiste con la idea de casarse nuevamente, y esta vez su compañero es un psiquiatra italiano, Andrea Dotti, del cual nace su hijo Luca Andrea, el 8 de febrero de 1970. Pero pronto le llegarían problemas a Audrey, porque tuvo que soportar las inevitables infidelidades en su vida conyugal y esto llevaría a un irremediable divorcio, en 1976.
Luego se retira del cine para ocuparse de su dos hijos durante algunos años, regresando con la historia final de Robin Hood, en Robin y Marian (1976), un film dirigido por Richard Lester. Pero ella necesitaba encontrar su lugar en el mundo y lo encuentra refugiándose en su casa de campo. Lejos del ruido de la ciudad, compra una propiedad de 30 años antigüedad en Suiza, en un pueblo de medio millar de habitantes: Tolochenaz -sur Morges.

Audrey Hepburn con Cary Grant
Decide alejarse un poco del cine, pero igualmente frecuenta los sets de filmación en donde conocerá a su último amor, el actor holandés Bob Wolders. Su único fiel amor, según Audrey declaraba a la prensa: "Él me hizo vivir de nuevo, darme cuenta que no todo se había terminado para mí". Y sigue filmando otras películas. En 1979 filma, en Nueva York, Lazos de Sangre, con Omar Sharif y Ben Gazzara.
En 1988 fue nombrada embajadora de UNICEF y su solidaridad humanitaria por los niños pobres marcó sus últimos días de su vida. Los viajes a Sudán, El Salvador, Guatemala, Honduras y Vietnam fueron ocupando una larguísima agenda donde siempre faltaban horas. Viajó a Somalia poco antes de que se le declarara la enfermedad terminal, el cáncer de colón, que la hizo abandonar toda su generosa actividad.
Wolders, con sus dos hijos Sean y Luca, junto a sus ex-maridos, estuvieron acompañando el funeral en ese pueblito de Suiza donde ella había decidido vivir, un día frío y gris, un 24 de enero de 1993. Sus cinco hombres estuvieron juntos en el cementerio.
Hoy, Audrey nos dejó la imagen más hermosa de todos los tiempos. Su personalidad y su estilo fueron dignos de una moda inolvidable, inmortalizada en el tiempo. Su sonrisa fue la forma en que las chicas de la época debían sonreír; su figura esbelta y tenue, era la silueta que todas las muchachas debían tener.
Su última actuación fue con el rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, en Always (1989), donde su sola presencia hace eterna referencia a la frase inscripta en su funeral: "Si en el cielo existen los ángeles, estoy convencido de que deben tener los ojos, las manos, el rostro y la voz de Audrey Hepbrun".
En 1993, meses después de su muerte, la academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar Humanitario Jean Hersholt por su labor como embajadora permanente en UNICEF.

hitchcock


Alfred Hitchcock
(Londres, 1899-Hollywood, 1980) Director de cine británico nacionalizado estadounidense. Hijo de un carnicero, cursó estudios en el Colegio de San Ignacio y, posteriormente, en la Universidad de Londres, donde estudió ingeniería. En 1920 empezó a trabajar en la industria cinematográfica, primero como publicista para la Paramount y pronto como guionista y ayudante de dirección. En 1925 se trasladó a Alemania, donde tuvo la oportunidad de trabajar como ayudante de dirección en los estudios UFA y entrar en contacto con el expresionismo alemán, un género del que siempre se consideró deudor.

Alfred Hitchcock
Tras regresar al Reino Unido, en 1929 rodó Blackmail, filme que se convirtió en el primer éxito del cine sonoro inglés; títulos como El hombre que sabía demasiado (1934) o 39 escalones (1935), de bien trabada trama policíaca, atrajeron la atención de David O. Selznick, quien lo contató en 1940 para trabajar en Hollywood.
Su primer filme allí, Rebeca, fue un éxito rotundo tanto de crítica como de público. A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo. Sus argumentos giraron a menudo alrededor de tramas policíacas o de espionaje, siempre con un dominio absoluto del suspense.
Si, por un lado, el tipo de argumento explica el éxito comercial de sus películas, por otro, y de acuerdo con la célebre «teoría de McGuffin», del propio Hitchcock, este suspense sirve sólo como un señuelo para captar la atención del espectador, mientras que en otro plano el filme remite a más ambiciosos contenidos psicológicos, como en Marnie la ladrona, donde una cleptómana traumática se redime por el amor, religiosos, como en Yo confieso, o incluso metafísicos, como en Los pájaros, cuyo simbolismo ha dado pie a múltiples interpretaciones. Sobre la relación del director con el psicoanálisis, manifiesta y bien lograda en unas películas (De entre los muertos), en otras se ha considerado en exceso reduccionista (así se ha afirmado respecto a Recuerda), y en general los críticos han sobreinterpretado sus filmes en este sentido.
El virtuosismo de Hitchcock se hace también evidente en el manejo de la cámara, de gran inventiva y audacia, y en el montaje, extremadamente fragmentado y estudiado en ocasiones, como en la conocidísima escena del asesinato en la ducha de Psicosis, tal vez su película más célebre, cuyo rodaje costó casi una semana entera y en la cual se agolpan multitud de secuencias en brevísimo tiempo.
Cierta leyenda negra de Hollywood afirma que en su relación con los actores era áspero y despótico, y también fue muy criticada su fijación con respecto a las mujeres rubias de aspecto más o menos asexuado, modelo de la mayoría de sus protagonistas femeninas, y a las que perseguía en ocasiones durante el rodaje, como sucedió con Kim Novak.
A partir de 1948 se convirtió en su propio productor, y desde los inicios de la década de 1950 pudo contar con elevados presupuestos y con los mejores actores y actrices de Hollywood, alcanzada ya la fama internacional. Más tarde quiso recrudecer los argumentos y dotarlos de mayores dosis de suspense, aunque hubo ciertas excepciones, como fueron Cortina rasgada (1966) y Topaz (1969), de temática anticomunista, que no tuvieron tanto éxito. Todas las películas de Hitchcock llevan el sello particular de su estilo, cuya influencia ha llegado a muchos otros directores, entre ellos algunos miembros de la nouvelle vague, como Truffaut y Godard.

coen

Ethan Coen
Nació el 21 de septiembre de 1957 en Minneapolis, Minnesota (Estados Unidos).
Joel Coen
Nació el 29 de noviembre de 1954 en Minneapolis, Minnesota (Estados Unidos)
Biografía
Joel y Ethan Coen son hijos de Edward Coen, profesor de económicas en la Universidad de Minnesota, y de Rena Coen, historiadora de arte.
Tras terminar sus estudios secundarios y acudir ambos al Simon’s Rock College, en Massachussets, Joel estudió cinematografía en el Instituto de Cine y Televisión de Nueva York y Ethan Filosofía en la Universidad de Princeton.


Joel sería el primero en involucrarse en el mundo del cine como montador de títulos de terror como “Lucifer” (1981) de Frank LaLoggia y “Posesión infernal” (1981) de Sam Raimi.
Joel debutó como director con “Sangre fácil” (1984), un film escrito junto a su hermano Ethan que estaba montado por ambos bajo el seudónimo de Roderick Jaynes.
Ethan también ocupaba el puesto de productor, faceta que desarrollaría a lo largo de su carrera, acreditándose Joel como director, a pesar de que el concepto de sus films está siempre compartido.

En “Sangre fácil” debutaban con un proyecto propio, estableciendo un tributo al cine negro americano desde su personal y extravagante óptica, con un deslumbrante estilo narrativo y un inteligente sentido del humor, siendo tachados de estetas narcisistas y pretenciosos por sus detractores. Este particular homenaje a los géneros más característicos del cine de Hollywood será constante en toda su trayectoria.
En la película aparecía la actriz Frances McDormand, con quien Joel contrajo matrimonio el mismo año del estreno del film.
En 1985 escribirían el guión de “Ola de crímenes, ola de risas”, una comedia dirigida por Sam Raimi.

“Arizona Baby” (1987), una comedia de tono disparatado deudora del cartoon con el protagonismo de Nicolas Cage fue su segundo título en el que intervenía otro actor fetiche de la pareja, John Goodman, como así sería John Turturro, quien daría inicio a su colaboración con los Coen en “Muerte entre las flores” (1990), un thriller protagonizado por Gabriel Byrne.
Turturro y Goodman fueron los principales intérpretes de “Barton Fink” (1991), una de las mejores películas de Joel y Ethan, que sería galardonada en el Festival de Cannes con la Palma de Oro a la mejor película, mejor dirección y mejor actor para John Turturro.

En 1992 Ethan se casó con la montadora Tricia Crooke, habitual colaboradora de sus películas. Después de “El gran salto” (1994), un tributo a las comedias de Frank Capra, los hermanos Coen consiguieron uno de sus grandes triunfos con “Fargo” (1996), un thriller con trazos de comedia que recibiría siete nominaciones al Oscar, entre ellas la de mejor película y mejor director. Ethan y Joel conseguirían ganar el premio al mejor guión y Frances McDormand la estatuilla a la mejor actriz.
Joel ya había sido premiado por este film en Cannes.
“El gran Lebowski” (1998), un film protagonizado por Jeff Bridges, mixturaba la screwball comedy con el thriller, mientras que en “Oh Brother” (2000) se servían de “La Odisea” de Homero para configurar una película que sirvió para que su estrella, George Clooney, consiguiera ganar el Globo de Oro como mejor actor de comedia. Los hermanos Coen fueron nominados al Oscar al mejor guión adaptado.

“El hombre que nunca estuvo allí” (2001), título post-noir protagonizado por Billy Bob Thornton y fotografiado en blanco y negro por Roger Deakins, quien sustituyó en el puesto a Barry Sonnenfeld, director que había iniciado su carrera como fotógrafo de las primeras películas de los Coen (hasta “Muerte entre las flores”), volvería a causar sensación en Cannes, festival que premió de nuevo a la dirección del film.


Con posterioridad han rodado dos comedias, “Crueldad intolerable” (2003), un tributo a las screwball comedies de Howard Hawks, y “The Ladykillers” (2004), un remake de un film británico de la Ealing que estaba protagonizado por Tom Hanks.
Este film fue acreditado en la dirección por primera vez a los dos hermanos Coen.
Con posterioridad han adaptado a Cormac McCarthy en "No Es País Para Viejos" (2007)..

Por "No Es País Para Viejos" los hermanos Coen recibieron el Oscar a la mejor película, dirección y guión adaptado.

"Quemar Después De Leer" (2008) era una comedia que giraba en torno a las memorias de un ex agente de la CIA.
En "Un Tipo Serio" (2009) contaban las peripecias de un profesor universitario en crisis personal y profesional. Por este film fueron candidatos al Oscar al mejor guión original.
En el western "Valor De Ley (True Grit)" (2010) adaptaban una novela de Charles Portis previamente llevada al cine por Henry Hathaway con el protagonismo de John Wayne. En el film de los Coen es Jeff Bridges el protagonista.
Su dirección para fans es:
Joel Coen - Ethan Coen
United Talent Agency
9560 Wilshire Blvd.
Suite 500
Beverly Hills, CA 90212-2401
USA

FILMOGRAFIA

SANGRE FÁCIL (1984) con John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya
ARIZONA BABY (1987) con Nicolas Cage, Holly Hunter, John Goodman
MUERTE ENTRE LAS FLORES (1990) con Gabriel Byrne, John Turturro, Marcia Gay Harden
BARTON FINK (1991) con John Turturro, John Goodman, Judy Davis
EL GRAN SALTO (1994) con Paul Newman, Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh
FARGO (1996) con Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi
EL GRAN LEBOWSKI (1998) con Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi
O BROTHER (2000) con George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson
EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ (2001) con Billy Bob Thornton, Frances McDormand, Michael Badalucco
CRUELDAD INTOLERABLE (2003) con George Clooney, Catherine Zeta-Jones, Edward Herrmann
THE LADYKILLERS (2004) con Tom Hanks, Irma P. Hall, Marlon Wayans

PARIS, JE T'AIME (2006) (episodio) con Steve Buscemi, Julie Bataille, Axel Kiener
NO ES PAÍS PARA VIEJOS (2007) con Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Javier Bardem
QUEMAR DESPUÉS DE LEER (2008) con Brad Pitt, George Clooney, John Malkovich
UN TIPO SERIO (2009) con Michael Stuhlbarg, Richard King, Fred Melamed
VALOR DE LEY (TRUE GRIT) (2010) con Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin

polanski



Raimund Polanski, nació el 18 de agosto de 1933 en París, año que Hitler subía al poder. Vivió una infancia muy sufrida en Polonia, donde se transladaron sus padres. Con 6 años debió abandonar su hogar en Cracovia para refugiarse en una zona donde residían judíos, pese a que sólo su madre era parcialmente practicante. Ella sería deportada, Roman ya no volvería a verla. Siendo adolescente comenzó a introducirse en el mundo de los medios del espectáculo. Trabajó en programas radiales, en obras teatrales y en algunas películas. La más importante fue "Pokolenie"(1954) de Andrzej Wajda. Mas tarde, ingresaría a la escuela de cine de Lodz, donde realizaría los primeros trabajos en cortometrajes como "Dos hombres y un armario"(1958) una sátira surrealista.
En 1962 realiza su primer film, "Con el cuchillo en el agua", por el que lo nominaron a un Oscar. En 1964, filma "Repulsión" de temática psicologica al igual que "Callejón sin salida"(1966). Su siguiente película sería una burla al cine de terror, "El baile de los vampiros"(1967). Con todo el prestigio ganado en estas películas, obtuvo el crédito para ingresar en Hollywood, donde realizó "La semilla del diablo"(1968).
Pero a pesar del éxito que lo acompañaba, tanto como director y actor, en 1969 su esposa, la actriz Sharon Tate, embarazada de 8 meses fue víctima de asesinato del clan Manson. Tras el suceso de una de sus grandes obras "Chinatown"(1973), estaría nuevamente envuelto en problemas debido a una acusación de violación por una adolescente y puesto en prisión.
Con "Chinatown" Roman Polanski confirmaría sus virtudes de gran director. Luego de "El inquilino"(1976) y "Tess"(1979), vendría una época de trancisión en sus realizaciones, para luego retomar, ya en Europa, con "Frenético"(1988), film de suspenso a lo Hitchcock, y "Lunas de hiel"(1992) que abordaba las relaciones de pareja. Continuaría su obra con "La muerte y la doncella"(1994), "La novena puerta"(1999) y la recientemente galardonada en Cannes, "El pianista".
En sus obras fundamentalmente se destacan, pese a su variedad temática, una calidad pareja, de un hombre con estilo propio. El espectador en su cine, se sumerge en los personajes. Sin lugar a dudas, hoy Roman Polanski es uno de los máximos exponentes del mejor cine.
 
FILMOGRAFIA
1955 - Rower (cortometraje)
1957 - Usmiech zebiezny (cortometraje)
1957 - Rozbijemy zabawe (cortometraje)
1958 - Dwaj ludzie z szafa - "Dos hombres y un armario" (cortometraje)
1959 - Lampa (cortometraje)
1959 - Gdy spadaja anioly..(cortometraje)
1961 - Gruby i chudy / Le gros et la maigre (cortometraje)
1962 - Ssaki (cortometraje)

1962 - "El cuchillo en el agua"
1965 - "Las más famosas estafas del mundo: El hombre que vendió la torre Eiffel"
1965 - "Repulsión"
1966 - "Callejón sin salida"
1967 - "El baile de los vampiros"
1968 - "El bebé de Rosemary" (La semilla del diablo)
1971 - "Macbeth"
1973 - "Que?"
1974 - "Barrio Chino"
1976 - "El Inquilino"
1979 - "Tess"
1986 - "Piratas"
1988 - "Frenético"
1992 - "Lunas de hiel"
1994 - "La muerte y la doncella"
1999 - "La novena puerta"
2002 - "El pianista"

emily deschanel

Nació en 1978 en Los Angeles, California (Estados Unidos)
Biografía
Emily Deschanel es hija del director y fotógrafo Caleb Deschanel (dirigió algunos episodios de “Twin Peaks” y fue director de fotografía de “La Búsqueda” o “La Pasión De Cristo”), y la actriz Mary Deschanel, vista en la serie “Twin Peaks”. Tiene una hermana actriz, menor que Emily, llamada Zooey.
Tras estudiar interpretación en la Universidad de Boston, Emily debutó en el cine al aparecer en “Te Puede Pasar A Ti” (1994), una comedia romántica protagonizada por Nicolas Cage y Bridget Fonda. No volvió a actuar en la pantalla grande hasta entrado el siglo XXI.
En el año 2002 intervino en la serie de televisión de terror “Rose Red”. Un año después formó parte del reparto de “Cold Mountain” (2003). Más tarde pudo ser vista en “El Álamo” (2004) o en “Spider-Man 2” (2004), consiguiendo su primer papel protagonista en el film de terror “Boogeyman” (2005), dirigido por Stephen T. Kay.

En el drama "La Decisión De Anne" (2009) compartía créditos con Cameron Diaz y Abigail Breslin.
Al mismo tiempo que el cine y la televisión, en donde protagoniza junto a David Boreanaz la serie "Bones", Emily también actua en representaciones teatrales.
Su dirección para fans es:
Emily Deschanel
c/o The Gersh Agencys
232 N. Canon Drive
Beverly Hills, CA 90210

FILMOGRAFÍA
TE PUEDE PASAR A TI (1994) de Andrew Bergman
IT’S A SHAME ABOUT RAY (2001) de Ajay Sahgal
EASY (2003) de Jane Weinstock
COLD MOUNTAIN (2003) de Anthony Minghella
EL ÁLAMO (2004) de John Lee Hancock
SPIDER-MAN 2 (2004) de Sam Raimi
BOOGEYMAN. LA PUERTA DEL MIEDO (2005) de Stephen T. Kay
LA DECISIÓN DE ANNE (2009) de Nick Cassavetes
En vísperas de estreno o en fase de producción
GLORY ROAD (2006) de James Gartner